CEREMONIA GOYA 2024

 

La 38 edición de la gala de los Goya tuvo una gran triunfadora que consiguió 12 Goyas de las 13 nominaciones a las que aspiraba. La alfombra color fucsia se tiñó enteramente de color blanco, aquel blanco que solo presenciaron en aquel lejano 1972 los supervivientes de Los Andes.

Gran película contada de forma magistral por J.A. Bayona y que va lanzado a poder conseguir los dos Óscar a los que está nominado: Mejor película internacional y el de Mejor maquillaje y peluquería.

Gala reivindicativa, algo ya clásico en nuestros premios, y con detalles como el discurso de José Sacristán homenajeando a Juan Mariné a toda su trayectoria en el cine (un guiño también al cine de celuloide), el discurso de Sigourney Weaver muy emotivo, y con referencia a su actriz de doblaje (que da visibilidad a este colectivo tan importante del cine), el homenaje de Ana Belén y los Javis a Concha Velasco, o el recuerdo de los que se fueron con los sones de la canción Procuro olvidarte.

20000 abejas solo pudo conseguir 3 Goyas, y también a destacar el Goya a David Verdaguer que se mete en el papel del humorista Eugenio de forma magistral.

La superación, el instinto de supervivencia y la magnífica dirección de Bayona conquistó al cine español.

CINTAS DE VÍDEO VHS (CURIOSIDADES CINÉFILAS)

 Muchos de nosotros crecimos con las películas que alquilábamos en los videoclubes, aquel ritual que seguíamos para ir al establecimiento y elegir, de todas las que exponían, la que íbamos a disfrutar ese día.

Aquellos videoclubes de barrio, que luego fueron desapareciendo por grandes multinacionales como Blockbuster, que llegaron con infinidad de cintas de vídeo, y al no soportar esa brutal competencia, tuvieron que cerrar.

Pero como la vida es así, cíclica, también le tocó el turno a estas multinacionales que vinieron pisando fuerte, y el streaming ha llegado para quedarse por mucho tiempo, acabando con los pocos videoclubes que quedaban en el planeta.

Pero los que vivimos la época de las cintas de VHS o Betamax, disfrutamos de acudir a estos videoclubes a charlar de cine, mientras escogías la cinta que más te gustaba. Eran otros tiempos que ya no volverán. En mi caso, visioné más de 1000 pelis, más las que emitían en el vídeo comunitario que existían en cada barrio.

Os dejo una serie de vídeos VHS que algunos cinéfilos guardan en el recuerdo.

NOVIEMBRE DULCE

 

"Lo único que tenemos es cómo te vas a acordar de mí. Y necesito que ese recuerdo sea fuerte y hermoso. ¿No te das cuenta? Si sé que me vas a recordar así, puedo enfrentar lo que sea. ¡Lo que sea! Dios mío, Nelson, tú eres mi inmortalidad".

Noviembre dulce (2001).

Frases inspiradoras de la película EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS

Estrenada en 1989, año en el que Robin Williams protagonizara ‘El club de los poetas muertos’, John Keating sigue siendo el profesor que todos hemos querido tener: inspirador, inconformista, librepensador, y alguien de quien te asegure que tú sí "puedes cambiar el mundo".

“En mi clase aprenderán a pensar por ustedes mismos. Aprenderán a saborear la palabra y el lenguaje. Porque, a pesar de lo que les digan, la palabra y las ideas pueden cambiar el mundo”.

“Yo caminaría diferente: Todos necesitamos ser aceptados. Pero debéis pensar que vuestras convicciones son únicas y os pertenecen. Aunque a otros puedan parecerles raras o inaceptables. Aunque toda la manada diga ‘no está bien’”.

“No leemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana. Y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, los negocios y la ingeniería son carreras nobles y necesarias para la vida. Pero la poesía, la belleza, el romanticismo, el amor… son las cosas que nos mantienen vivos”.

Si hay un ideal defendido por John Keating en ‘El club de los poetas muertos’ es aquel que nos hace vivir cada día como si fuera el último: “Carpe Diem”. Sin embargo, y a pesar de los notables esfuerzos de Keating por alentar a sus alumnos a disfrutar de cada momento, también nos enseñó otra valiosa lección: “Hay un momento para el valor y otro para la prudencia. El que es inteligente, sabe distinguirlos”.

“Carpe Diem. Porque somos alimentos para gusanos, señores. Porque aunque no lo crean, un día todos los que estamos en esta sala dejaremos de respirar. Nos pondremos fríos y moriremos. Aprovechen el día, muchachos. Hagan que sus vidas sean extraordinarias”.

“No digan que un hombre está muy cansado, digan que está exhausto. Y no digan que está triste, digan… ¿Sr. Overstreer?”.

“Robert Frost dijo: ‘Dos caminos divergían en un bosque y yo tomé el menos transitado. Y eso lo cambió todo’. Quiero que encuentren su propio camino, en cualquier dirección, con estilo orgulloso, con estilo tonto, como sea”.

“Me he subido a la mesa para recordarme a mí mismo que debemos mirar constantemente las cosas de una manera diferente. El mundo se ve distinto desde aquí arriba. Si no me creen, vengan a probarlo”.

“Libera tu mente. Usa tu imaginación. Di lo primero que se te ocurra aunque sean tonterías. Cuando lean, no consideren solo lo que el autor piensa, consideren lo que ustedes piensan”. 

“Thoreau dice que la mayoría de los hombres viven en desesperación silenciosa. No se resignen a ello. Libérense. No caminen por la orilla, miren a su alrededor. Atrévanse a ir lejos y encontrar nuevos terrenos”.

Escena Los puentes de Madison

"Así es. Al menos así es como me gusta pensarlo", dice el fotógrafo. "Esa es la diferencia entre los que sacan instantáneas los domingos y los fotógrafos profesionales. Cuando haya terminado con el puente que vimos hoy, no tendrá el aspecto que tú piensas. Lo habré convertido en algo mío, por la elección de la lente, o el ángulo de la cámara, o la composición general, o probablemente por la combinación de todo eso. Yo no me limito a tomar las cosas como se presentan; trato de convertirlas en algo que refleje mi conciencia personal, mi espíritu. Trato de encontrar la poesía en la imagen".

Los puentes de Madison

Enseñanzas de "El club de los poetas muertos"

Han pasado ya 28 años de la realización de esta película "El Club de los poetas muertos", y aún se sigue aprendiendo bastante con las enseñanzas del profesor Keating, interpretado magistralmente por Robin Williams.
He tenido ocasión de visionarla de nuevo en estas navidades, y volver a revivir la magia que desprende esta cinta, que parece no transcurrir los años por ella.

Tradición, honor, disciplina, excelencia. Esos eran los valores de la academia Welton, una escuela de "niños bien" a la que, en la película 'El club de los poetas muertos', llegaba un nuevo profesor, John Keating (interpretado por Robin Williams), que revolucionaría la concepción de la vida de sus alumnos a través de la poesía. El filme se estrenó en 1989, descubriendo el potencial dramático de Williams y ofreciendo una lección de vida a toda una generación. Aquí la desgranamos en diez frases.

Carpe diem, aprovecha el momento

"El día de hoy no se volverá a repetir. Vive intensamente cada instante, no alocadamente, sino mimando cada situación, escuchando a cada compañero, intentando realizar cada sueño positivo, buscando el éxito del otro y examinándote de la asignatura fundamental: el amor. Para que un día no lamentes haber malgastado egoístamente tu capacidad de amar y dar vida". 

Nadie tiene la verdad absoluta

"La verdad es como una manta que siempre te deja los pies fríos. La estiras, la extiendes pero nunca es suficiente. La sacudes, le das patadas, pero no llega a cubrirte. Y desde que llegamos llorando hasta que nos vamos muriendo, solo nos cubre la cara, mientras gemimos, lloramos y gritamos".

La libertad está en los sueños

"Solo al soñar tenemos libertad, siempre fue así; y siempre así será".

La felicidad está en los corazones puros

"Muéstrame un corazón que esté libre de necios sueños, y te enseñaré a un hombre feliz".

Nuestra identidad es nuestro mayor bien

"Todos necesitamos ser aceptados, pero tenéis que entender que vuestras convicciones son vuestras. Aunque a los otros les parezcan raras o impopulares, aunque el rebaño diga 'eso no está bien' (como si estuvieran balando), deben encontrar su propio paso, su propia manera de caminar, en cualquier dirección, como quieran, sea ridícula, orgullosa, como sea".

Aprovecha el instante

"Toma las rosas mientras puedas; veloz el tiempo vuela, la misma flor que hoy admiras mañana estará muerta".

La poesía es una necesidad humana

"Les contaré un secreto: no leemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana; y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, el comercio, la ingeniería... son carreras nobles y necesarias para dignificar la vida humana. Pero la poesía, la belleza, el romanticismo, el amor son cosas que nos mantienen vivos".

Sé el dueño de tu vida

"Oh, vivo para ser amo de la vida, no un esclavo".

Elige el camino correcto

"Robert Frost dijo: dos caminos se abrieron ante mí, pero tomé el menos transitado y eso marcó la diferencia".

Nunca te resignes, sé cómo eres

"Chicos, debéis esforzaros por encontrar vuestra propia voz. Porque cuanto más tiempo esperéis para comenzar, menos probabilidades tendréis de encontrarla. Thoreau dijo que 'la mayoría de los hombres llevan una vida de silenciosa desesperación'. No os resignéis. ¡Fugaos! Salid. Este es el momento".

En definitiva: CARPE DIEM (Vive el momento).

Adiós a Chus Lampreave

Chus Lampreave fue una de las primeras y más genuinas chicas Almodóvar, aunque a menudo en sus películas hizo de abuela, y ha arrancado carcajadas con su humor natural, su capacidad para convertir en míticas las frases de sus personajes y, cómo no, sus gafas de hipermétrope.

Muchas de esas frases forman parte ya del patrimonio emocional de cualquier cinéfilo, como la de su celebrada portera cotilla de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» (1988): «Yo soy testigo de Jehová y mi religión me prohíbe mentir».

Pero también el «Uy, se me olvidaba que soy diabética», que dice la terrorífica abuela de «¿Qué hecho yo para merecer esto?» (1984) o el «Cállate ya, cara de ladilla», que le espeta a Rossy de Palma en «La flor de mi secreto».

A Almodóvar le dijo dos veces no, en «Pepi, Luci, Boom... y otras chicas del montón» (1980) y en «Laberinto de pasiones» (1982). Y a la tercera fue la vencida. Su sor Rata de Callejón de «Entre tinieblas» (1983) fue su primer personaje con el director manchego. A partir de entonces, se hicieron inseparables.

Rodaron juntos ocho películas en total. Aunque no está en «Julieta», que se estrena esta semana, fue la madre de Eva Cobo en «Matador» (1986) y la tía Paula de «Volver»(2006). Con el personaje de portera hizo casi un género propio, en el que reincidió en «Hable con ella» (2002) y «Los abrazos rotos» (2009).

Fueron estos personajes los que convirtieron a Lampreave en una de las actrices más queridas por el público, a pesar de que siempre estuvo en segunda fila. Pero su carrera va mucho más allá, con más de 80 producciones de cine y televisión y una capacidad para seducir a los más grandes cineastas.

Su único Goya, como mejor actriz de reparto, lo obtuvo gracias a su doña Asun de «Belle Époque» (1992), la película que le valió el Oscar a Fernando Trueba, con quien también rodó «El año de las luces» (1986) y «El artista y la modelo» (2012).

Y con José Luis Cuerda formó parte del equipo de una de las comedias de culto de la filmografía española, «Amanece que no es poco» (1989), donde interpretaba la madre de Nge Ndomo, el único negro del pueblo.

Todo esto a pesar de que siempre dijo que no era una actriz vocacional, que lo suyo era la pintura. De hecho, estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, hasta que Jaime de Armiñán la «descubrió» y la introdujo en la televisión.

En el cine debutó con un pequeño papel en «El pisito»(1959) de Marco Ferreri. Con Berlanga rodó su mítica trilogía nacional, «Todos a la cárcel» (1993) y «Moros y cristianos» (1987). Fernando Colomo, Fernando Fernán Gómez, Santiago Segura o Antonio Mercero también se rindieron a su talento.

En los últimos años encontró un nuevo filón en la publicidad, eso sí, siempre con firma de autor: el anuncio de Campofrío dirigido por Benito Zambrano en 2014 o el de KH7 que filmó Juan Antonio Bayona, para el que recuperó sus clásicas gafas de aumento.

La echaremos mucho de menos. Descanse en paz.

Nuevo libro sobre Harry Potter, el mago más famoso de la literatura

Habrá octavo libro de Harry Potter. La autora J. K. Rowling dijo en su día que la historia del niño no continuaría en las páginas, pero nueve años después de la publicación del último, su promesa se hace agua de borrajas. Ya se sabía que la obra de teatro Harry Potter and the Cursed Child (Harry Potter y el niño maldito) protagonizada por el hijo del brujo, Albus Severus Potter, se estrenaba el 30 de julio. Ahora se conoce que solo un día más tarde (precisamente el día del cumpleaños de Potter) saldrá a la venta el guión, escrito por la autora y Jack Thorne.

La obra, con el sobretítulo de "La octava parte. 19 años después", servirá para contener las ansias de los aficionados que no puedan ir al Palace Theatre de Londres. El espectáculo tiene, además, una estructura muy particular: se dividirá en dos partes, pensadas para verse en dos noches consecutivas o en el mismo día en sesión matinal y vespertina. Esta idea se traducirá en dobles ingresos en la taquilla del West End (barrio teatral de Londres), y ahora también en las librerías, donde Potter reunía siempre colas de aficionados. "Rowling y su equipo han recibido numerosas peticiones de los seguidores que no podrían estar en Londres para ver la obra y querían verlo en papel", explica David Shelley, editor del libro.

La historia retoma la trama donde se quedó "Harry Potter y las reliquias de la muerte", con Albus (que aparece en el primer póster) viajando por primera vez al colegio de brujería Hogwarts. El niño, como ocurría con su padre, tendrá que sobrellevar un legado que nunca quiso. El relato mezclará pasado y presente en escena, y tendrá como otro de los personajes al propio Harry, ahora empleado del Ministerio de Magia, casado con Ginny Weasley y con tres hijos.En escena habrá hasta 30 actores. Jamie Parker será Potter, y Paul Thornley, su amigo Ron Weasley, aunque la opción más polémica fue elegir a la actriz negra Noma Dumezweni como Hermione Granger. Rowling la defendió en Twitter: "El canon solo decía: ojos marrones, pelo desarrapado y muy inteligente. La piel blanca nunca se especificaba". La actriz Emma Watson también le dio su apoyo. El responsable de Oliver Twist, John Tiffany, se encargará de dirigirlos a todos.

La Isla Mínima

1980. En un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir, olvidado y detenido en el tiempo, dos adolescentes desaparecen durante sus fiestas. Nadie las echa de menos. Todos los jóvenes quieren irse a vivir lejos y algunos de ellos se escapan de casa para conseguirlo. Rocío, madre de las niñas, logra que el juez de la comarca, Andrade, se interese por ellas. Desde Madrid envían a dos detectives de homicidios, Pedro y Juan, de perfiles y métodos muy diferentes que, por distintos motivos, no atraviesan su mejor momento en el cuerpo. 
Una huelga de los trabajadores del campo pone en riesgo la cosecha del arroz, principal riqueza de la región, y dificulta las tareas de investigación de los dos policías que reciben presiones para solucionar el caso cuanto antes. Sin embargo, la investigación policial pone en evidencia que en los últimos años han desaparecido varias jóvenes más y que aparte del arroz existe otra fuente de riqueza: el tráfico de drogas. 
Nada es lo que parece en una comunidad aislada, opaca y plegada sobre sí misma. Las pesquisas de los detectives parecen no llevar a ningún lado. En este difícil proceso, Juan y Pedro deberán enfrentarse a sus propios miedos, a su pasado y a su futuro. Su relación se irá estrechando y sus métodos se harán parecidos. Lo único importante es dar con el asesino.

Diez Goyas se llevó esta joya del cine andaluz, con una atmósfera inquietante, una fotografía, en la que el paisaje se convierte en otro personaje imprescindible dentro de la película.
Y aún a pesar del poco presupuesto que tenía, las escenas son tan impactantes, que más quisieran muchas películas americanas conseguir esas impactantes escenas que nos envuelve en aquellos ochenta de nuestro país.
Mi más sincera enhorabuena al director Alberto Rodríguez (director de Grupo 7), que ha conseguido encumbrarse en nuestro cine con esta gran película.

¡Véndeme este bolígrafo!

Belfort-Véndeme este bolígrafo, vamos...
Colega-¿Que te venda este bolígrafo?
Belfort-Sí.
Colega-Hazme un favor, escribe tu nombre en esa servilleta.
Belfort-No tengo bolígrafo.
Colega-Exacto. Oferta y demanda, amigo mío.
Belfort-¿Ven lo que les digo? Es crear necesidad. Hacer que quieran comprar las acciones. Como si lo necesitaran. ¿Entienden?

El Lobo de Wall Street (Martin Scorsese, 2o13)

¡Qué verde era mi valle!

" Los hombres como mi padre, no mueren. Siguen dentro de mí, tan reales en mi memoria, como lo fueron en vida, cariñosos y amados para siempre. ¡Qué verde era entonces mi valle!"

Entender la poesía

Una de las mejores escenas de "El Club de los Poetas Muertos" para entender lo que es la poesía:

"No olviden que a pesar de todo lo que les digan, las palabras y las ideas pueden cambiar el mundo (...). Les contaré un secreto: no leemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana; y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, el comercio, la ingeniería... son propósitos nobles y necesarios para dignificar la vida humana. Pero la poesía, la belleza, el romanticismo, el amor, son cosas que nos mantienen vivos. Citando a Whitman": ¡Oh, mi Yo! ¡Oh, Vida! de sus preguntas que vuelven, del desfile interminable de los desleales, de las ciudades llenas de necios, ¿qué hay de bueno en estas cosas? ¡Oh, mi Yo! ¡Oh, Vida!
Respuesta: "Que tú estás aquí, que existe la vida y la identidad, que prosigue el poderoso drama y que tú puedes contribuir con un verso... ¡que prosigue el poderoso drama y que tú puedes contribuir con un verso!" ¿Cuál será tu verso?".

Diálogos

-¿Se identificó con el personaje que representa en la película?

-No.

-¿No? ¿Por qué no?

-Porque interpreto a un robot carnívoro psicópata.

Diálogo de la película de Notting Hill (1999)

"Hasta que llegó su hora"

El tema central de la película "Hasta que llegó su hora", está acompañada por una de las bandas sonoras más emotivas en la historia del séptimo arte. Una de las composiciones de Ennio Morricone más bellas que haya hecho en toda su carrera musical. Ejemplifica de manera brillante, en poco menos de cuatro minutos, toda esa grandeza del lejano Oeste, lo que siempre quiso plasmar Sergio Leone en su filmes.
Emoción en estado puro.
Fue la última película que acababa con un género como el spaguetti-western, y se despidió a lo grande. Consiguió una película en la que cada palabra se convierte en un acto salvaje, las escenas ralentizadas, con esos primeros planos de sus protagonistas hacen que la cinta sea, en muchos momentos, hipnótica, no les hace faltar decir muchas frases para darle tensión a la historia, y Sergio Leone se fue a lo grande: creando una Obra Maestra para la posteridad.

Adiós don Alfredo

Si nuestro Alfredo Landa hubiera nacido en los E.E.U.U. se hubiera ido por la puerta grande, con varios Oscar bajo el brazo y el reconocimiento unánime de toda la industria del cine. Pero nació en España, y lo que le quedó es trabajar como un mulo para hacerse un hueco en el mundo del séptimo arte y el teatro, realizando más de 120 películas y haciendo del LANDISMO (género cinematográfico que intenta aunar la comedia fácil con algunas dosis de erotismo), toda una sella de identidad del actor pamplonés.
Ha sido el actor con mil caras: Castrillo, el contable apocado de "Atraco a las tres", el colérico Armando de "Ninette y un señor de Murcia", o José, aquel ejecutivo atrapado en la emotiva "Las Verdes Praderas", Germán Areta, el duro detective de "El Crack"; cómo olvidarnos del tierno Paco el de "Los Santos Inocentes", el ingenuo bandido Malvís de "El Bosque Animado", el gasolinero cascarrabias de la serie "Lleno, por favor", o el maestro conmovedor de "Canción de Cuna".

La alternativa en la pantalla grande se la ofreció en 1962, José María Forqué, que le dio un papel a sus 29 años en la película "Atraco a las tres" junto a José Luis López Vázquez y Gracita Morales, y consiguió dar la talla en películas como "Cateto a babor", "Vente a Alemania, Pepe","Manolo, la Nuit", "París bien vale una moza", "Lo verde empieza en los Pirineos" o la sensacional "La Vaquilla".

Alfredo Landa habló sin tapujos en su libro de memorias: "Alfredo el Grande" donde no dejó títere con cabeza y criticó con dureza a compañeros de profesión como José Luis López Vázquez, que le llamaban "el morito", y que al robarle un papel en una película de Summers, se llevó sin hablarle durante dos años. O a Gracita Morales que la tachó de ser una mujer caprichosa y déspota; también criticó a Fernando Fernán Gómez, al director Garci, y nunca le perdonó al director José Luis Divildos el que lo contratara para una película y nunca cobrara sus ganancias.

Se apartó en el 2008 de la interpretación debido a sus problemas de salud. En el 2007 le concedieron el Goya de Honor a su carrera y fueron los peores momentos que pasó Landa frente un escenario, ya que se encontraba desorientado y estuvo casi tres minutos balbuciendo y siendo incoherente, sin poder hilar ninguna frase.
Se nos ha ido uno de los grandes actores de nuestro cine y le echaremos mucho de menos.

"Castle"

La serie estadounidense "Castle", trata sobre la vida de un escritor de bestseller que trabaja con el departamento de policía, cuando un presunto asesino imita los asesinatos de sus propias novelas. Richard Castle (Nathan Fillion) en la propia serie de televisión va anunciando las novelas que cada año va produciendo: "Ola de calor" (2010), "Calor desnudo" (2011), "Aumenta el calor" (2012) y "Calor helado" (2013).
Y los productores de la serie, aprovechando el tirón de audiencia que está teniendo su serie, han sacado a la luz los libros del autor de ficción, para conseguir que los propios fans de la serie también lo sean de sus libros, que supuestamente ha hecho el escritor de la serie.

La editorial "Suma de Letras" es la que tiene los derechos de autor. Podéis ver el enlace aquí.
En este caso, la ficción supera a la realidad y los libros de un actor televisivo, se convierten en realidad.
Ya nada me sorprende en el mundo editorial.

El proyecto de Kubrick en Miniserie

Fue en 1961 cuando el director Stanley Kubrick empezó a iniciar el guión para una película sobre la vida de Napoleón, y quería convertirla en la mejor de la historia del cine, según sus propias palabras.
Un proyecto inacabado porque después de dos largos años de intensa búsqueda de información, de rodar exteriores, con 15.000 fotografías hechas en lugares históricos, más de 17.000 diapositivas de la imaginería napoleónica, y tener casi a los protagonistas que la iban a interpretar: Oscar Werner como Napoleón y Audrey Hepburn en el papel de Josefina, todo se fue al garete.

El trabajo concienzudo, rayando en lo obsesivo del cineasta, hizo que estudios de cine como la M.G.M y United Artist negaran el proyecto por ser una empresa bastante arriesgada cuando el cine bélico y éste, en concreto, siendo una epopeya histórica, no estaba de moda.
Y Kubrick se quedó sin su película más ambiciosa, aunque después de todo el trabajo realizado, guardó toda la información, y se editó en un libro en rústica (con diez libritos en su interior), donde podemos leer toda la información que consiguió el director para poder filmar su Obra Maestra.
Ahora, otro cineasta, Steven Spielberg, quiere retomar la obra inacabada de su compañero y pretende filmar en una miniserie, el trabajo de Kubrick con todo el material inédito que aparece en el libro.

No sabemos si Spielberg podrá conseguir lo que Kubrick tenía en mente cuando empezó a estudiar la vida de Napoleón a fondo para conseguir hacer la mejor película que se hubiera filmado en el séptimo arte, aunque hay que recordar que Spielberg ya filmó "Inteligencia Artificial", cuando Kubrick abandonó el proyecto ya que requería que el niño protagonista fuera un robot de verdad, y la tecnología del momento no era suficiente para complacer al director.
Spielberg se lanzó a realizar la película pero sin hacer un robot, sino aprovechando los efectos especiales para las demás escenas.

Ahora puede tener una valiosa información sobre la vida del gobernador y militar francés.
Os dejo con un vídeo donde se explica el interior de este libro con edición limitada (sólo 1.000 ejemplares) con un precio de 2.000 euros.

Ceremonia Oscar 2013

La 85 edición de los Oscar de Hollywood terminó con la lectura del ganador a la mejor película, de boca de la Primera Dama de los E.E.U.U.: Michelle Obama.
La cinta "Argo" fue la triunfadora, aunque consiguiera sólo 3 Oscar, frente a "La vida de Pi" que llegó a alzarse con 4 estatuillas, casi todas del apartado técnico, una de ellas a la de mejor director, pero ya se sabe que siempre se recuerda al final la película que se alza como la mejor del año, y ésa fue la del director y actor Ben Affleck, aunque la campeona moral en cuanto a número de Oscar recibidos ha sido la película de Ang Lee.

 Fue una ceremonia muy bien orquestada, y se hizo amena las tres horas de programa que pudimos presenciar en la madrugada aquí en España.
El esfuerzo siempre merece la pena, por lo menos para mí, porque disfruto del séptimo arte y sobre la industria de Hollywood, y el espectáculo está servido.
"Lincoln" pegó el batacazo, aunque era de prever ya que a Steven Spileberg le han dado la espalda en más de una ocasión, sino recuerden las once nominaciones de "El Color Púrpura" sin conseguir ningún Oscar. Esta vez se salvó por el Oscar al mejor actor: Daniel Day-Lewis (hay que recordar que es el primer actor que tiene en su carrera tres Oscar, porque el que se aproxima más es Jack Nicholson que tiene dos como principal y uno secundario, pero tres como actor principal es el único y pasa al Olimpo de las grandes estrellas de Cine).

Anne Hattaway se llevó el Oscar a la mejor actriz secundaria por la película "Los Miserables" y la mejor actriz principal recayó en la joven Jennifer Lawrence por la película "El lado bueno de las cosas" y con los nervios dio un tropezón y se resbaló en las escaleras.

Un momento que recordaremos como una anécdota más cuando se visionen los momentos curiosos del pasado.
La película de habla no inglesa se lo llevó el director Michael Haneke por la película "Amor".
El maestro de ceremonias fue Seth MacFarlane que estuvo correcto en sus gags y así podríamos aprender un poco en la próxima entrega de los Goya, porque se dedicaron a hablar de cine sin hacer crítica de su país por la crisis global.
Una curiosidad fue cuando estaban los actores agradeciendo el premio; si se excedían, le ponían la banda sonora de "Tiburón" para que terminaran lo antes posible.

Tarantino se llevó por segunda vez (la primera fue en 1995 por "Pulp Fiction") el mejor guión por "Django Desencadenado".
Ang lee consiguió su segundo Oscar como director, aunque curiosamente no lo ha ganado nunca como mejor película y al final, Ben Affleck se consagró con su tercera película como director: "Argo".

Os dejo con el trailer de la película ganadora.

DJANGO DESENCADENADO

Faltaba poco para que Tarantino se atreviera con el western y lo ha hecho con esta cinta, que aunque lleve el nombre de Django en claro homenaje a la película de Sergio Corbucci (1966), en la que veíamos de primera entrada al protagonista, Franco Nero, arrastrar un ataúd, (una secuencia que impactó bastante y que todos recordamos), decir que no tiene nada que ver el filme de Tarantino, ni haría falta visionar de nuevo ésta primera, para comprender lo que nos quiere contar el cineasta americano.

Por cierto, que en esta película sale Franco Nero, ya que el director quiso darle un pequeño papel y así tributarle el homenaje que se merece este clásico. 
La película "Django Desencadenado" no tiene una trama complicada, y es, como muchas cintas del género, la historia de una venganza.
El doctor King Shultz (Chistopher Waltz) se úne con el esclavo Django (Jamie Foxx), primero para atrapar a unos bandidos, y luego para encontrar a la mujer del esclavo y así cumplir con su propia venganza de los que la maltrataron.

Dura más de dos horas y media, y creo que parte del final sobra en la película, aunque gana bastante con la aparición estelar de Leonardo di Caprio, que consigue uno de los mejores trabajos interpretativos que ha hecho en toda su carrera. No os perdáis el monólogo que recita con la calavera en su mansión.

 El sello personal de Tarantino está inmerso en todo el metraje, y aunque podría considerarse como una Obra Maestra, quizá mucha parte del final sobra, y es por ello, por lo que decae  un poco, y quizá la actuación de Jamie Foxx deja mucho que desear.
Por lo demás, hay escenas con mucho tiroteo, mucha sangre salpicando, escenas truculentas como la del negro descuartizado por los perros (como le gusta a Tarantino), y también nos hace reír con algunas otras, sobre todo con las del Ku Kux Klan que van casi a ciegas porque le han agujereado mal las capuchas.
En fin, una obra que a pesar del metraje, sale uno contento de haber presenciado una buena película y bastante entretenida.

Y PESE A TODO...

Ha caído en mis manos la novela del autor sevillano Juan de Dios Garduño: "Y PESE A TODO..."
Comentar en primer lugar que me ha fascinado la forma de escribir de este autor, ya que se asemeja mucho al estilo del norteamericano Stephen King,  en un claro homenaje a su figura, ya que sitúa a sus personajes en Bangor (Maine), lugar de residencia del maestro del terror.
La literatura de género está en auge en nuestro país, gracias a los autores españoles que confían en este género como son : el propio Juan De, David Jasso, José Carlos Somoza, Juan José Castillo, Carlos Sisí o David Mateo, entre otros.
La acción nos sitúa en un mundo devastado por la Tercera Guerra Mundial, hecho que ha sido provocado por los Estados Unidos al declarar la guerra a Irán, y la unión de Rusia y China, hacen que el conflicto se convierta a nivel mundial, utilizando armas químicas y nucleares.
En Bangor han sobrevivido tres personas: Peter y su hija Ketty, y el vecino de ambos, Patrick, junto a su perro "Doggy".

 La primera parte de la novela nos describe la relación de estos personajes, con sus misterios, sus preocupaciones, sus rencillas personales, porque aunque son los últimos supervivientes de la vecindad, no se hablan desde hace tiempo. Aquí, Garduño, nos describe con estilo, y unos diálogos muy creíbles, consiguiendo humanizar a los personajes para que podamos cogerle cariño hasta el final.
En la segunda parte, aparecen unos seres que no esperan: unas criaturas mitad hombres, mitad murciélagos, unos zombies que persiguen a los protagonistas y así poder crear un conflicto emocional donde prevalecerá en todo momento el instinto de supervivencia.
Se notan los guiños hacia el maestro del terror, tanto en la forma de escribir, como en la situación planteada, además de nombrarlo incluso dentro de la novela. También hay partes que nos recuerdan al escritor Richard Mateson: "Soy Leyenda"; y de estos autores se influencia nuestro escritor sevillano para crear una atmósfera inquietante, que, pese a ser una novela de zombies, éstos quedan en segundo plano, ya que Juan de Dios Garduño se centra en los pensamientos y acciones de sus protagonistas, a los cuales le insufla verdadera vida para que la obra nos atrape de principio a fin.

Tal ha sido el éxito de la primera novela de este escritor, que se han interesado en llevarla al cine los productores de "Celda 211", y el director Miguel Ángel Vivas está en pleno proceso de producción con el título de: "Welcome to Harmony" y que verá la luz en el 2014.

Recientemente Juan de Dios Garduño ha concluido su segunda novela: "El camino de las baldosas amarillas" con gran éxito editorial.
Ahora se encuentra embarcado en una editorial propia que ha creado, llamada "Palabras de Agua", de la que desde este rincón cultural, le deseamos todos los éxitos en este nuevo proyecto, porque sabemos el difícil camino que tiene, y más a estas alturas, el lanzarse con una editorial y publicar en papel.